Wer glaubt, dass Quentin Tarantinos neunter Film lediglich eine liebevolle Hommage an das goldene Zeitalter von Tinseltown ist, hat die eigentliche Sprengkraft dieses Werks übersehen. Die meisten Zuschauer setzen sich vor den Bildschirm, weil sie den Glamour der späten Sechziger suchen oder das Duo Pitt und DiCaprio in Bestform erleben wollen. Doch unter der Oberfläche der strahlenden kalifornischen Sonne verbirgt sich eine radikale Manipulation der kollektiven Erinnerung. Wenn Menschen heute Once Upon A Time In Hollywood Ansehen, konsumieren sie nicht etwa eine Rekonstruktion der Vergangenheit, sondern eine bewusste Korrektur der Grausamkeit, die das Ende der Hippie-Ära markierte. Tarantino nutzt das Medium Film hier nicht als Fenster zur Welt, sondern als chirurgisches Instrument, um das nationale Trauma der Manson-Morde aus dem Fleisch der Geschichte herauszuschneiden. Es ist eine Form der filmischen Rache, die so effektiv funktioniert, dass wir am Ende fast vergessen, dass Sharon Tate in der Realität nie die Chance hatte, friedlich in ihr Haus am Cielo Drive zurückzukehren.
Warum wir Once Upon A Time In Hollywood Ansehen müssen um die Macht der Fiktion zu verstehen
Der Regisseur spielt ein gefährliches Spiel mit unseren Erwartungen. Er baut eine Welt auf, die so authentisch wirkt, dass jede Zigarettenpackung und jeder Werbespot im Radio uns das Gefühl gibt, tatsächlich im Jahr 1969 gelandet zu sein. Diese Detailversessenheit dient jedoch nur einem Zweck: Sie soll die finale Lüge glaubwürdig machen. In der Filmtheorie spricht man oft von der Suspension of Disbelief, also der Bereitschaft des Zuschauers, sich auf eine fiktive Logik einzulassen. Tarantino treibt dies auf die Spitze, indem er reale historische Figuren wie Bruce Lee oder Steve McQueen in Szenen wirft, die so nie stattgefunden haben. Das Publikum akzeptiert diese Verzerrungen bereitwillig, weil die Sehnsucht nach einem glücklichen Ausgang für die unschuldige Sharon Tate größer ist als der Respekt vor der historischen Wahrheit. Ich beobachte seit Jahren, wie das Kino versucht, Geschichte aufzuarbeiten, doch selten geschah dies mit einer solchen Dreistigkeit, die den Schmerz der Realität einfach durch ein gewaltsames, aber befriedigendes Märchen ersetzt.
Die Kraft dieser Erzählung liegt in ihrer Verweigerung, den Tätern eine Bühne zu geben. Während zahllose Dokumentationen und Spielfilme sich an der Psyche von Charles Manson abarbeiteten, degradiert dieses Werk die Mitglieder der Manson-Family zu bloßen Witzfiguren. Sie sind keine bedrohlichen Symbole einer gescheiterten Gegenkultur, sondern unfähige Eindringlinge, die an der falschen Tür klopfen. Das ist die eigentliche fachliche Leistung des Drehbuchs. Es entzieht dem Bösen die Mystik. Wer sich die Mühe macht, die echte Kriminalgeschichte der Tate-LaBianca-Morde zu studieren, weiß, wie tief die Verzweiflung damals saß. Das Ende des Sommers der Liebe war kein sanftes Ausklingen, sondern ein brutaler Schockzustand. Indem der Film dieses Ereignis umschreibt, gibt er den Opfern ihre Würde zurück, doch er nimmt uns gleichzeitig die Möglichkeit, aus der echten Tragödie zu lernen. Es ist eine emotionale Abkürzung, die den Schmerz wegwischt und durch ein kathartisches Feuerwerk ersetzt.
Skeptiker führen oft an, dass Filme nun mal Unterhaltung seien und kein Anspruch auf historische Korrektheit bestünde. Das ist ein schwaches Argument. Wenn ein Regisseur von Tarantinos Kaliber die reale Geografie und die echten Namen einer Stadt nutzt, geht er eine Verpflichtung gegenüber dem kulturellen Gedächtnis ein. Die Gefahr besteht darin, dass die filmische Wahrheit die historische Realität in den Köpfen der kommenden Generationen überschreibt. In zwanzig Jahren werden junge Menschen vielleicht glauben, dass ein alternder Stuntman mit seinem Hund die Mörder in die Flucht schlug. Das ist das Paradoxon der modernen Popkultur: Wir sind so besessen von Authentizität in der Ausstattung, dass uns die Wahrheit in der Handlung egal wird.
Die Architektur der Sehnsucht und das Verschwinden der Realität
Die technische Meisterschaft hinter dieser Inszenierung lässt sich kaum leugnen. Kameramann Robert Richardson fängt das Licht von Los Angeles so ein, dass man den Staub auf den Straßen fast riechen kann. Diese visuelle Brillanz ist jedoch Teil der Verführung. Wir werden eingelullt in eine Zeit, die es so nie gab. Rick Dalton, der fiktive Protagonist, verkörpert die Angst vor der eigenen Bedeutungslosigkeit. Sein Kampf gegen das Vergessen ist der eigentliche Motor der Geschichte. Während das alte Hollywood stirbt, kämpft er um seinen Platz in einer Welt, die ihn bereits aussortiert hat. Das ist der Moment, in dem die Fiktion auf die Realität trifft. Wir alle fürchten uns davor, von der Zeit überholt zu werden. Tarantino spiegelt diese Angst in jeder Szene, in der Dalton seinen Text vergisst oder an seinem Talent zweifelt.
Die Besetzung von Margot Robbie als Sharon Tate ist ein genialer Schachzug der Minimalisierung. Sie spricht kaum. Sie tanzt, sie lacht, sie geht ins Kino. Sie ist ein Symbol der Reinheit, das über dem Geschehen schwebt. Manche Kritiker warfen dem Film vor, ihre Rolle sei zu klein, doch genau das ist der Punkt. Sie ist keine Figur mit einer komplexen Entwicklung, sie ist das Licht, das Tarantino vor dem Erlöschen bewahren will. In der echten Welt war ihr Tod das Ende einer Ära des Optimismus. Im Film bleibt dieses Licht an. Diese Entscheidung ist so manipulativ wie brillant. Sie zwingt uns dazu, eine Version der Geschichte zu lieben, die schlichtweg gelogen ist. Man kann sich dem Sog dieser alternativen Realität kaum entziehen, weil die Sehnsucht nach Gerechtigkeit tief in uns verwurzelt ist.
Die dritte Instanz von Once Upon A Time In Hollywood Ansehen als kulturelles Ritual
Es geht hier nicht nur um einen Filmabend auf der Couch. Es geht darum, wie wir uns als Gesellschaft entscheiden, mit unseren dunkelsten Kapiteln umzugehen. Wenn wir heute diesen Streifen konsumieren, nehmen wir an einem kollektiven Exorzismus teil. Wir verbrennen die Dämonen der Sechziger auf einer Leinwand, damit wir uns nicht mit der Tatsache auseinandersetzen müssen, dass das Böse in der Realität oft gewinnt. Die Gewalt im Finale ist exzessiv, fast schon cartoonhaft. Sie bricht mit dem ansonsten eher ruhigen Erzähltempo und katapultiert uns in eine typische Rachephantasie. Doch im Gegensatz zu seinen früheren Werken wie Inglourious Basterds, wo der Tod Hitlers eine historische Genugtuung darstellte, wirkt die Gewalt hier intimer und fast schon verzweifelt.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Kinogängern, die nach der Vorstellung erleichtert wirkten. Sie hatten das Gefühl, etwas Schlimmes sei verhindert worden. Das ist die Macht der Kunst, aber es ist auch ihre größte Schwäche. Sie kann uns über die wahre Natur der Welt täuschen. Tarantino hat ein Denkmal für eine Stadt gebaut, die er liebt, aber dieses Denkmal steht auf einem Fundament aus Illusionen. Die Detailgenauigkeit der Autos und Fassaden täuscht darüber hinweg, dass der Kern der Erzählung eine Flucht vor der Wahrheit ist. Es ist das Werk eines Mannes, der die Welt nur durch eine Linse erträgt und uns dazu einlädt, es ihm gleichzutun. Das ist kein Verbrechen, aber man sollte sich dessen bewusst sein, während man die Bilder auf sich wirken lässt.
Die Expertenmeinungen zur Darstellung von Gewalt im Kino sind hier gespalten. Während die einen die Katharsis loben, sehen andere darin eine Bagatellisierung der tatsächlichen Ereignisse. Ich neige zu der Ansicht, dass Tarantino hier seine bisher reifste, aber auch unehrlichste Arbeit abgeliefert hat. Reif, weil er den Rhythmus einer Stadt perfekt einfängt. Unehrlich, weil er dem Zuschauer den Schmerz verweigert, der für das Verständnis dieser Zeit notwendig wäre. Ohne die Tragik des Cielo Drive ergibt die gesamte kulturelle Verschiebung der frühen Siebziger keinen Sinn. Wer die Geschichte umschreibt, nimmt ihr die Schärfe, die uns zum Nachdenken zwingt.
Man kann das Werk als Liebesbrief betrachten, aber jeder Liebesbrief ist blind für die Fehler des Geliebten. Das Hollywood des Jahres 1969 war kein Paradies. Es war ein Ort voller Sexismus, Rassismus und knallharter Ausbeutung. Der Film zeigt uns davon nur Fragmente, meist verpackt in Humor. Die dunklen Seiten werden an den Rand gedrängt, dorthin, wo die Manson-Anhänger im Staub der Spahn Ranch hausen. Damit erschafft der Regisseur eine klare Trennung zwischen dem guten, strahlenden System und dem schmutzigen Abschaum von außen. Diese Schwarz-Weiß-Malerei wird der Komplexität der damaligen sozialen Spannungen in den USA nicht gerecht. Die Hippie-Bewegung war mehr als nur eine Ansammlung von ungewaschenen Kriminellen, doch im Kontext dieses Märchens dient sie nur als Antagonist für unsere Helden.
Wir müssen uns fragen, warum wir so begierig darauf sind, diese Form der Geschichtsfälschung zu akzeptieren. Vielleicht liegt es daran, dass die Gegenwart so unübersichtlich ist, dass wir uns nach einer Vergangenheit sehnen, in der die Bösen am Ende einfach von einem Flammenwerfer geröstet werden. Es ist die ultimative Eskapismus-Pille. Wir schauen zu, wie ein Mann seinen Hund füttert, wir hören den Sound der V8-Motoren und wir glauben für zwei Stunden daran, dass alles gut ausgehen kann, wenn man nur cool genug ist. Das ist die eigentliche Magie, die Tarantino beherrscht wie kein zweiter. Er verkauft uns eine Lüge als die schönste aller Wahrheiten.
Am Ende bleibt ein Gefühl der Melancholie zurück, das schwer zu greifen ist. Es ist die Trauer darüber, dass wir wissen, dass die Credits rollen und die echte Sharon Tate immer noch tot ist. Der Film rettet sie nicht, er konserviert nur eine Momentaufnahme einer Frau, die niemals alt werden durfte. Tarantino gibt uns den Trost, den uns das Leben verwehrt hat. Das ist ein edles Motiv, aber es ist auch eine gefährliche Form der Verdrängung. Wir ersetzen das Trauma durch einen Mythos und wundern uns dann, wenn wir die Muster der Geschichte in der Gegenwart nicht mehr erkennen. Das Kino ist hier kein Spiegel der Gesellschaft mehr, sondern ein Filter, der alles Unangenehme herauszieht, bis nur noch der goldene Schein übrig bleibt.
Dieses Werk fordert uns heraus, unsere eigene Beziehung zum Medium Film zu hinterfragen. Sind wir bereit, die Wahrheit für ein gutes Gefühl zu opfern? Die Antwort der meisten Menschen scheint ein klares Ja zu sein. Wir wollen nicht leiden, wir wollen unterhalten werden. Und niemand unterhält uns besser als jemand, der die Regeln der Realität einfach ignoriert, wenn sie seinem Narrativ im Weg stehen. Es ist ein Triumph des Stils über die Substanz, der so perfekt ausgeführt ist, dass die Substanzlosigkeit selbst zur Kunstform erhoben wird. Wir wandeln durch die Straßen von Los Angeles und sehen die Neonlichter der Kinosäle, wohlwissend, dass hinter den Kulissen die Dunkelheit wartet.
Der Film ist letztlich eine monumentale Lüge, die wir nur deshalb glauben wollen, weil die Wahrheit über den Tod der Unschuld im Sommer 1969 bis heute unerträglich bleibt.
