In einem abgedunkelten Studio in Los Angeles saß Wayne Coyne, der Frontmann der Flaming Lips, und beobachtete eine junge Frau, die gerade dabei war, ihre eigene Identität mit einer Abrissbirne zu zertrümmern. Es war kein kalkulierter Marketingschachzug eines Major-Labels, sondern eine eruptive Entladung von Trauer und künstlerischer Freiheit. Miley Cyrus weinte um Floyd, ihren geliebten Alaskan Klee Kai, der von einem Kojoten gerissen worden war, während sie auf Tournee die Welt bereiste. Dieser Verlust markierte den Moment, in dem die Fassade des perfekten Popstars endgültig Risse bekam und Platz machte für etwas Rohes, Ungefiltertes und tief Verstörendes. In dieser Atmosphäre der psychotropen Melancholie entstand Miley Cyrus Miley Cyrus And Her Dead Petz, ein Projekt, das wie ein außerirdisches Artefakt in die glattpolierte Landschaft des Mainstreams einschlug. Es war die Geburtsstunde einer neuen Radikalität, die sich weigerte, den Erwartungen der Industrie oder der Fans gerecht zu werden.
Die Geschichte dieses Albums ist die Geschichte einer Befreiung, die schmerzhaft und chaotisch zugleich war. Cyrus befand sich im Jahr 2014 auf dem Gipfel ihres kommerziellen Erfolgs, doch innerlich fühlte sie sich wie eine Gefangene ihres eigenen Ruhms. Die Zusammenarbeit mit den Flaming Lips bot ihr einen Ausweg aus den engen Grenzen der Radiotauglichkeit. Gemeinsam schufen sie eine Klangwelt, die eher nach den psychedelischen Experimenten der späten Sechziger klang als nach dem glitzernden Synthie-Pop, der zu dieser Zeit die Charts dominierte. Es war ein Wagnis, das viele Beobachter den Kopf schütteln ließ, doch für die Künstlerin selbst war es eine Überlebensstrategie.
Der klangliche Exorzismus in Miley Cyrus Miley Cyrus And Her Dead Petz
In den achtundsiebzig Minuten dieser Veröffentlichung findet sich eine eklektische Mischung aus Lo-Fi-Balladen, halluzinogenen Klangteppichen und Texten, die so explizit waren, dass sie jede herkömmliche PR-Abteilung in den Wahnsinn getrieben hätten. Das Werk war ein radikaler Bruch mit der Vergangenheit. Es gab keine teuren Musikvideos mit Millionenbudgets, stattdessen sah man die Sängerin in den begleitenden Clips mit buntem Schleim übergossen oder in grotesken Kostümen, die an Dadaismus erinnerten. Die Musik selbst wirkte oft unfertig, skizzenhaft und gerade deshalb so unmittelbar. Es war ein bewusster Verzicht auf Perfektion, ein Aufbegehren gegen die Tyrannei der Autotune-Ästhetik.
Die Resonanz in Europa und speziell in Deutschland war von einer Mischung aus Faszination und Ratlosigkeit geprägt. Während Kritiker im Feuilleton die Courage bewunderten, eine solche Masse an Material völlig kostenlos im Internet zur Verfügung zu stellen, fragten sich viele langjährige Begleiter, ob der Star den Verstand verloren hatte. Doch hinter dem vermeintlichen Chaos steckte eine tiefe menschliche Wahrheit. Es ging um die Bewältigung von Trauer durch Kreativität. Die verstorbenen Haustiere, denen das Werk gewidmet ist, fungierten als Symbole für eine verlorene Unschuld, die im grellen Licht der Öffentlichkeit ohnehin niemals Bestand haben konnte.
Die Ästhetik des Hässlichen
In den tieferen Schichten dieser Klangreise verbarg sich eine Auseinandersetzung mit der Sterblichkeit, die für eine damals erst zweiundzwanzigjährige Frau ungewöhnlich tiefgreifend war. Die Songs handelten nicht von oberflächlichen Romanzen, sondern von der Einsamkeit im Weltraum, von der Kommunikation mit toten Wesen und von der heilenden Kraft bewusstseinserweiternder Erfahrungen. Es war ein mutiger Schritt in die Dunkelheit, weg von den Scheinwerfern der Arena-Tourneen hin zur Intimität eines Heimstudios.
Diese Phase der Karriere illustriert perfekt die Spannung zwischen dem Individuum und der Marke. Cyrus wollte nicht länger ein Produkt sein, das man konsumiert und dann vergisst. Sie suchte nach einer Verbindung, die über den bloßen Verkauf von Tonträgern hinausging. Indem sie das Album verschenkte, entzog sie sich dem kapitalistischen Verwertungszyklus. Es war eine Geste des Widerstands gegen ein System, das Künstler oft nur als austauschbare Rädchen in einer gigantischen Maschine betrachtet. Die Musik wurde zu einem privaten Tagebuch, das für alle zugänglich war, ohne dass jemand dafür Eintritt bezahlen musste.
Die Trümmer der kommerziellen Erwartung
Als das Projekt schließlich bei den MTV Video Music Awards 2015 ohne Vorwarnung angekündigt wurde, bebte das Internet. Es war ein Moment der totalen Kontrolle über das eigene Narrativ. Anstatt auf die Genehmigung eines Vorstands zu warten, drückte sie einfach den Knopf. Dieser Akt der Selbstermächtigung hat die Art und Weise verändert, wie junge Künstler heute über Unabhängigkeit denken. Man konnte plötzlich sehen, dass es möglich war, das größte Pop-Phänomen der Welt zu sein und gleichzeitig Musik zu machen, die klang, als wäre sie in einem Keller unter dem Einfluss von viel zu viel Kräutertee aufgenommen worden.
Die Branche reagierte gespalten. Radio-Stationen ignorierten die sperrigen Stücke fast vollständig, da sie nicht in die engen Formate passten. Doch genau das war der Punkt. Die Künstlerin suchte nicht nach Airplay, sie suchte nach Katharsis. In einem Interview aus dieser Zeit beschrieb sie den Entstehungsprozess als eine Art Reinigung. Alles, was sich über Jahre hinweg an Frust und unterdrückter Kreativität angestaut hatte, musste heraus. Es war ein klanglicher Exorzismus, der Platz schuf für alles, was danach kommen sollte.
Die Bedeutung dieser Ära liegt nicht in den Verkaufszahlen, denn es gab keine. Sie liegt in der Erlaubnis, die sie sich selbst und anderen gab, hässlich, kompliziert und widersprüchlich zu sein. In einer Welt, in der soziale Medien jeden Aspekt unseres Lebens in ein perfekt kuratiertes Bild verwandeln wollen, war dieser Ausbruch eine Erinnerung daran, dass das wahre Leben oft unordentlich ist. Die Trauer um einen Hund mag für Außenstehende trivial erscheinen, doch für denjenigen, der nachts allein in einem Hotelzimmer sitzt, kann sie die ganze Welt bedeuten.
Man spürte förmlich, wie die Last der Hannah-Montana-Jahre von ihren Schultern abfiel. Die Texte waren oft roh, manchmal fast naiv in ihrer Direktheit, aber sie waren ehrlich. Es gab keine Filter mehr. Wenn sie über ihre Einsamkeit sang, dann klang ihre Stimme brüchig und ungekünstelt. Es war das Ende der Performance und der Beginn einer authentischen künstlerischen Existenz. Das Experiment zeigte, dass ein Popstar mehr sein kann als nur eine Projektionsfläche für die Wünsche des Publikums.
Die Zusammenarbeit mit Produzenten wie Mike Will Made-It, der normalerweise für harte Hip-Hop-Beats bekannt war, verlieh der psychedelischen Träumerei eine unerwartete Bodenhaftung. Es war diese Reibung zwischen verschiedenen Welten, die das Material so spannend machte. Man wusste nie, ob der nächste Song ein sanftes akustisches Schlaflied oder ein aggressiver, elektronischer Albtraum sein würde. Diese Unberechenbarkeit war das Herzstück des gesamten Unterfangens.
Das Erbe der psychedelischen Befreiung
Heute, Jahre später, betrachten wir diese Phase als den entscheidenden Wendepunkt in einer beispiellosen Laufbahn. Ohne den Mut zu diesem radikalen Experiment wäre die spätere Entwicklung hin zu einer gereiften Rock- und Country-Stimme kaum denkbar gewesen. Es war die notwendige Dekonstruktion, um auf den Ruinen etwas Neues aufzubauen. Das Publikum lernte, dass man dieser Künstlerin nicht vorschreiben konnte, wer sie zu sein hatte. Sie hatte sich das Recht erkämpft, sich zu verändern, zu scheitern und wieder aufzustehen.
In der Retrospektive wirkt die gesamte Veröffentlichung wie ein Manifest für die künstlerische Freiheit im 21. Jahrhundert. Es bewies, dass die Bindung zwischen einem Star und den Fans stark genug sein kann, um auch die seltsamsten Umwege zu überstehen. Diejenigen, die geblieben sind, taten dies nicht wegen eines Hits, sondern wegen der Person hinter der Maske. Miley Cyrus Miley Cyrus And Her Dead Petz war der Moment, in dem die Maske endgültig fallen gelassen wurde.
Die emotionale Schwere, die durch den Tod ihrer Tiere ausgelöst wurde, transformierte sich in eine universelle Erzählung über das Erwachsenwerden unter extremen Bedingungen. Wer bin ich, wenn die Kameras aus sind? Was bleibt übrig, wenn der Ruhm nicht mehr ausreicht, um die innere Leere zu füllen? Das sind Fragen, die uns alle betreffen, egal ob wir in einer Villa in Malibu oder in einer Mietwohnung in Berlin-Neukölln leben. Die Antworten, die sie damals fand, waren vielleicht nicht perfekt, aber sie waren ihre eigenen.
Es ist diese Radikalität der Verletzlichkeit, die heute in der Popkultur so oft zitiert wird. Wenn junge Musikerinnen wie Billie Eilish oder Olivia Rodrigo über ihre Ängste und ihre dunklen Seiten singen, wandeln sie auf einem Pfad, den Cyrus mit einer gehörigen Portion Glitzer und Schmerz geebnet hat. Sie hat gezeigt, dass man sein eigenes Image verbrennen kann, nur um zu sehen, welche Farben die Flammen haben.
Die Welt des Pop hat sich seitdem weitergedreht, die Algorithmen sind mächtiger geworden und die Aufmerksamkeitsspanne ist kürzer als je zuvor. Doch dieses seltsame, überlange und oft missverstandene Album steht wie ein Monument der Eigensinnigkeit in der Zeit. Es erinnert uns daran, dass Kunst nicht immer bequem sein muss. Manchmal muss sie uns vor den Kopf stoßen, uns irritieren und uns dazu bringen, die Lautstärke herunterzudrehen, um genau hinzuhören, was da eigentlich gerade passiert.
Der Schmerz über den Verlust von Floyd ist vielleicht verblasst, aber die Narben, die er in der Musik hinterlassen hat, sind noch immer sichtbar. Sie sind Zeugen einer Zeit, in der ein junger Mensch beschloss, alles zu riskieren, um sich selbst zu finden. In den leisesten Momenten der Aufnahme hört man das Atmen, das Knacken im Raum und das ferne Echo eines Schmerzes, der keine Worte braucht. Es ist die Intimität eines Abschiedsbriefs, der an niemanden und gleichzeitig an alle gerichtet ist.
Am Ende bleibt das Bild einer Frau, die im Morgengrauen am Strand steht und zusieht, wie die Wellen ihre eigenen Fußspuren im Sand auslöschen. Der Glitzer ist längst weggespült, die grellen Farben sind verblasst, aber die Freiheit, die sie in jenen schlaflosen Nächten im Studio gefunden hat, kann ihr niemand mehr nehmen. Es war kein Ende, sondern eine Häutung. Die Welt schaute zu, wie sie ihre alte Haut abstreifte, Stück für Stück, bis nur noch der Kern übrig blieb. Ein Kern, der ungeschützt und vibrierend in der Stille nachhallte, lange nachdem der letzte verzerrte Ton der Gitarre verstummt war.
