Wer glaubt, dass die Fortsetzung eines Musical-Phänomens lediglich eine harmlose Dosis Eskapismus darstellt, verkennt die ökonomische Kaltblütigkeit, die hinter der glitzernden Fassade von Mamma Mia Here We Go Again steckt. Wir betrachten diese Fortsetzungen oft als reine Fan-Service-Projekte, als eine warme Decke aus vertrauten Melodien und sonnendurchfluteten griechischen Inseln. Doch unter der Oberfläche dieser Produktion verbirgt sich eine weitaus unangenehmere Realität für die moderne Unterhaltungsindustrie. Es geht nicht um die Feier der Musik von ABBA, sondern um die Perfektionierung eines Geschäftsmodells, das Originalität konsequent durch Wiedererkennung ersetzt hat. Ich erinnere mich gut an die Premiere, als das Publikum lachte und weinte, während die Filmstudios im Hintergrund längst die Algorithmen für den nächsten Kassenknüller kalibrierten.
Die kalkulierte Sehnsucht und Mamma Mia Here We Go Again
Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass Fortsetzungen wie diese entstehen, weil die Geschichte noch nicht zu Ende erzählt wurde. In Wahrheit war die Erzählung der Donna Sheridan bereits im ersten Teil vollendet. Der zweite Film fungiert vielmehr als eine Art emotionales Rebranding. Die Art und Weise, wie Mamma Mia Here We Go Again die Zeitlinien vermischt, dient primär dazu, eine neue Generation an eine Markenwelt zu binden, die eigentlich ihre Blütezeit in den Siebzigerjahren hatte. Das ist kein Zufall. Es ist eine präzise Antwort auf die schwindenden Aufmerksamkeitsspannen und das Bedürfnis der Studios nach garantierter Rendite. Wenn wir uns die nackten Zahlen ansehen, wird deutlich, dass das Risiko bei solchen Projekten gegen Null tendiert, da das Publikum nicht für eine Geschichte bezahlt, sondern für das Gefühl, das es bereits kennt.
Skeptiker werden einwenden, dass die reine Freude des Publikums doch Legitimation genug sei. Man kann argumentieren, dass Kunst nicht immer intellektuell fordernd sein muss. Das stimmt. Aber wenn diese Art der Produktion zur Norm wird, stirbt die Innovation einen langsamen, glitzernden Tod. Eine Studie der Universität Oxford zur Psychologie der Nostalgie zeigt, dass Menschen in unsicheren Zeiten verstärkt zu Inhalten greifen, die sie bereits kennen. Die Filmindustrie nutzt diesen biologischen Sicherheitsmechanismus gnadenlos aus. Wir befinden uns in einer Endlosschleife, in der das Alte nicht mehr weichen darf, damit das Neue gar nicht erst versucht werden muss.
Das Problem liegt tiefer als bloße Bequemlichkeit. Es geht um die Struktur der Stoffentwicklung in Hollywood. Früher gab es den Mut zum Scheitern bei großen Budgets. Heute ist jede Szene durch Testscreenings und Datenanalysen so glattgeschliffen, dass kein Eigensinn mehr übrig bleibt. Diese Entwicklung führt dazu, dass wir als Zuschauer verlernen, uns auf das Unbekannte einzulassen. Wir verlangen nach dem Bekannten und wundern uns dann über die Monotonie des Angebots. Diese Dynamik ist wie ein Junk-Food-Abonnement: Es schmeckt im Moment gut, lässt uns aber langfristig geistig unterernährt zurück.
Der Mythos der zeitlosen Leichtigkeit
Wenn man die Produktionsgeschichte dieser Fortsetzung betrachtet, erkennt man ein Muster, das weit über das Genre des Musicals hinausgeht. Es wurde eine Welt erschaffen, in der Konsequenzen keine Rolle mehr spielen. Der Tod einer zentralen Figur wird durch Rückblenden so weit abgefedert, dass der emotionale Verlust fast bedeutungslos wird. Das ist symptomatisch für unsere Zeit: Wir wollen den Schmerz der Realität nicht einmal in der Fiktion spüren. Die Leichtigkeit, die hier verkauft wird, ist eine künstliche, eine, die im Labor entstanden ist, um maximale Akzeptanz bei minimalem Reibungswiderstand zu garantieren.
Man darf nicht vergessen, dass die Musikrechte von ABBA zu den wertvollsten Gütern der Unterhaltungswelt gehören. Jede Platzierung eines Songs in einem solchen Kontext steigert den Wert des gesamten Katalogs um Millionen. Es ist ein gigantisches Marketing-Event, das sich als Film tarnt. Die Schauspieler, so charmant sie auch agieren mögen, sind in diesem Gefüge nur die Lieferanten für die nächste Playlist-Erweiterung. Wir konsumieren keine Kunstwerke mehr, wir konsumieren Content-Pakete, die nach ihrer Verwertbarkeit für soziale Medien sortiert sind. Wer die sozialen Netzwerke nach dem Kinostart beobachtete, sah genau das: tausende identische Urlaubsfotos mit denselben Filtern, unterlegt mit denselben Klängen. Die Individualität des Erlebnisses wurde zugunsten einer kollektiven, normierten Ästhetik geopfert.
Ein Blick auf die europäische Kinolandschaft zeigt, wie schwer es originäre Stoffe haben, gegen diese Übermacht zu bestehen. Während kleine, mutige Produktionen um jeden Euro kämpfen, fließen hunderte Millionen in Projekte, die lediglich ein bestehendes Rezept geringfügig abwandeln. Das ist ökonomisch rational, aber kulturell verheerend. Wir züchten uns ein Publikum heran, das bei jeder Abweichung von der Formel unruhig wird. Die Frage ist also nicht, ob der Film gut unterhält, sondern was er auf seinem Weg zum Erfolg alles zerstört hat.
Man kann die Qualität der handwerklichen Umsetzung nicht leugnen. Die Kameraarbeit ist exzellent, die Choreografien sitzen perfekt. Aber genau hier liegt die Gefahr. Wenn Mittelmäßigkeit in der Substanz mit Perfektion in der Form kombiniert wird, fällt es uns schwer, den Betrug zu erkennen. Wir lassen uns von den Farben blenden und vergessen zu fragen, warum uns eigentlich zum zehnten Mal dieselbe Geschichte in grün-blauen Farbtönen erzählt wird. Es ist die Perfektionierung der Belanglosigkeit.
Die Industrie der ewigen Wiederkunft
Wir müssen uns fragen, woher diese Obsession mit der Vergangenheit kommt. Warum ist es für ein Studio heute attraktiver, einen gealterten Star zurückzuholen, als ein neues Talent zu entdecken? Die Antwort ist simpel: Vertrauen. Nicht das Vertrauen in die Kunst, sondern das Vertrauen der Investoren in die Marke. Mamma Mia Here We Go Again ist das perfekte Beispiel für diese Markenführung. Es ist sicher. Es ist sauber. Es ist rentabel. Aber es ist eben auch ein Grabstein für die Idee, dass Kino uns überraschen sollte.
In der Geschichte des Films gab es immer Phasen der Wiederholung. Die Western-Welle der Fünfziger oder die Slasher-Filme der Achtziger folgten ähnlichen Mustern. Doch der Unterschied zu heute ist die totale Dominanz der Franchise-Logik. Früher waren Fortsetzungen oft billige Anhängsel, heute sind sie das Zentrum des Ökosystems. Das führt zu einer Verengung des kreativen Raums, die kaum noch Luft zum Atmen lässt. Wenn jeder Film Teil eines größeren Universums oder einer bestehenden Marke sein muss, gibt es keinen Platz mehr für das Experiment. Wir riskieren nichts mehr, und deshalb gewinnen wir auch nichts Neues mehr dazu.
Es gibt einen Punkt, an dem Nostalgie toxisch wird. Das passiert genau dann, wenn sie die Gegenwart erstickt. Wenn wir uns nur noch über das definieren, was früher einmal gut war, verlieren wir die Fähigkeit, das Heute zu gestalten. Die Unterhaltungsindustrie hat das erkannt und füttert uns systematisch mit diesen Erinnerungshäppchen. Das Ergebnis ist eine Kultur der Stagnation, die sich selbst für ihren Fortschritt feiert, während sie im Kreis läuft. Wir applaudieren der eigenen Vergangenheit, weil wir vor der Zukunft Angst haben.
Ich habe mit Kinobetreibern gesprochen, die mir bestätigten, dass die Vielfalt im Programm massiv abgenommen hat. Die großen Blockbuster besetzen so viele Leinwände, dass für alles andere kein Raum bleibt. Das ist eine Form der kulturellen Monokultur, die ebenso gefährlich ist wie die biologische. Sie macht das System anfällig und träge. Wenn der Geschmack des Publikums erst einmal auf diese Weise konditioniert ist, wird es extrem schwierig, ihn wieder für etwas anderes zu begeistern. Wir erziehen uns selbst zur Bequemlichkeit.
Die Ironie des Ganzen ist, dass die Band ABBA selbst einmal als revolutionär und mutig galt. Sie haben den Pop neu erfunden. Was heute daraus gemacht wird, ist das exakte Gegenteil von Revolution. Es ist die Domestizierung des Wilden. Alles, was an der ursprünglichen Musik einmal kantig oder überraschend war, wurde für den Massengeschmack abgeschliffen, bis es glatt wie eine Kieselstein in der Ägäis ist. Wir feiern eine Kopie einer Kopie und fühlen uns dabei auch noch gut.
Es ist an der Zeit, dass wir unseren Blick schärfen. Wir müssen aufhören, diese Produktionen als harmlose Unterhaltung abzutun. Sie sind Teil eines Systems, das aktiv daran arbeitet, unsere Erwartungen zu senken. Jedes Mal, wenn wir für ein solches Projekt ein Ticket kaufen, geben wir eine Stimme gegen die Originalität ab. Das mag hart klingen, aber in einer Welt der begrenzten Ressourcen – auch der zeitlichen und finanziellen Ressourcen des Publikums – ist jede Entscheidung eine politische Handlung im kulturellen Raum.
Wir müssen den Mut aufbringen, das Vertraute abzulehnen, wenn es nur dazu dient, den Status quo zu zementieren. Das bedeutet nicht, dass man keinen Spaß haben darf. Aber man sollte sich bewusst sein, welchen Preis man für diesen Spaß zahlt. Der Preis ist eine Welt, in der es bald nichts Neues mehr zu entdecken gibt, weil wir zu beschäftigt damit sind, das Alte zum dritten Mal zu feiern. Die glitzernden Kostüme und die mitreißenden Rhythmen sind nur die Ablenkungsmanöver in einem Spiel, bei dem wir als Zuschauer am Ende immer verlieren, egal wie laut wir mitsingen.
Wahre Kultur entsteht aus dem Bruch mit der Tradition, nicht aus ihrer endlosen Wiederholung. Wenn wir weiterhin jedes Mal jubeln, wenn uns ein bekanntes Gesicht oder ein bekannter Akkord vorgesetzt wird, müssen wir uns nicht wundern, wenn die Leinwände dieser Welt bald nur noch Spiegel unserer eigenen Vergangenheit sind. Die wahre Herausforderung besteht darin, das Licht in der Dunkelheit eines Kinosaals zu suchen, ohne vorher genau zu wissen, was man finden wird.
Wer das nächste Mal vor der Wahl steht, sollte sich fragen, ob er wirklich die Sicherheit des Bekannten braucht oder ob er bereit ist für das Wagnis des Ungewissen. Die Filmgeschichte wurde von Visionären geschrieben, die Regeln gebrochen haben, nicht von Buchhaltern, die sie optimiert haben. Wir haben die Macht, das zu ändern, indem wir unsere Aufmerksamkeit dorthin lenken, wo noch echtes Herzblut fließt und nicht nur kalkulierte Tränen vergossen werden. Es ist ein langer Weg zurück zur Originalität, aber er beginnt mit der Erkenntnis, dass wir mehr verdient haben als nur eine weitere perfekt orchestrierte Wiederholung.
Unsere Sehnsucht nach Beständigkeit ist eine Falle, die uns die Sicht auf die unendlichen Möglichkeiten der Gegenwart versperrt. Wir klammern uns an die Melodien unserer Jugend, während die Stimmen von heute ungehört verhallen. Das ist kein kultureller Triumph, sondern eine kollektive Fluchtbewegung. Und solange wir diese Flucht finanzieren, wird die Industrie uns weiterhin die Türen nach draußen versperren und uns stattdessen noch mehr vom Gleichen verkaufen.
Wir müssen uns endlich eingestehen, dass unser Verlangen nach Nostalgie keine Liebe zur Kunst ist, sondern die Angst davor, in einer sich wandelnden Welt den Anschluss zu verlieren.
