Wenn wir heute über die Kinogeschichte der Neunzigerjahre sprechen, fällt ein Name unweigerlich als Synonym für den coolen, schweigsamen Antihelden: Jean Reno Leon Der Profi. Es ist dieser eine Film, der in fast jeder Bestenliste auftaucht, den fast jeder Filmstudent zitiert und der Luc Besson den Weg in den Olymp der Action-Regisseure ebnete. Wir erinnern uns an die ikonische Sonnenbrille, die Milchgläser, die Topfpflanze und die scheinbare Reinheit eines Killers, der nur tötet, wenn es nötig ist. Doch wer heute mit einem unverstellten, erwachsenen Blick auf dieses Werk schaut, muss feststellen, dass wir uns jahrelang von einer ästhetischen Brillanz blenden ließen, die einen zutiefst problematischen Kern kaschiert. Der Film ist kein rührendes Märchen über eine ungewöhnliche Freundschaft, sondern die filmische Manifestation einer gefährlichen Grenzüberschreitung, die unter dem Deckmantel des Arthouse-Actionkinos bis heute unkritisch gefeiert wird.
Das Kind im Visier der Kamera
Die Faszination für diesen Film beruht auf einem Missverständnis. Viele Zuschauer sehen in der Beziehung zwischen dem Auftragsmörder und der zwölfjährigen Mathilda eine Form von Rettung. Ich behaupte jedoch, dass der Film das genaue Gegenteil zelebriert: die systematische Zerstörung einer Kindheit durch einen Mann, der emotional selbst auf der Stufe eines Kindes stehengeblieben ist. Dass diese Konstellation in den Neunzigern funktionierte, lag an einer Zeit, die in Sachen filmischer Darstellung von Minderjährigen weit weniger sensibel war als unsere heutige Gesellschaft. Man muss sich nur die ursprünglichen Testvorführungen in den USA ansehen, bei denen Szenen mit sexuellem Unterton zwischen den Protagonisten zu heftigen Reaktionen führten. Besson schnitt daraufhin Teile heraus, doch das Gift der Pädophilie-Metaphorik blieb im Gewebe des Films erhalten.
Es ist eine unbequeme Wahrheit, dass wir einen Charakter romantisieren, der ein Kind zur Mörderin ausbildet. Wir lachen über die Spielchen, die sie spielen, und wir bewundern die handwerkliche Präzision der Schießereien. Aber wenn man die Schicht aus Stil und Pariser Chic abträgt, bleibt ein zutiefst verstörendes Szenario übrig. Ein Mann, der keine moralische Kompassnadel besitzt, wird zum Mentor eines Mädchens, das gerade seine gesamte Familie verloren hat. Anstatt sie zu schützen, führt er sie tiefer in den Abgrund. Das ist keine Heldenreise. Das ist die Chronik eines Missbrauchs, der hier als ästhetisches Erlebnis getarnt wird. Wir sind als Publikum darauf hereingefallen, weil der Regisseur uns mit seiner Bildsprache hypnotisiert hat.
Die gefährliche Ästhetik in Jean Reno Leon Der Profi
Luc Besson verstand es meisterhaft, Gewalt schön aussehen zu lassen. In Jean Reno Leon Der Profi wird New York zu einer Bühne, auf der Blut wie Kunst wirkt. Der Einsatz von Licht und Schatten, die extremen Nahaufnahmen und der treibende Soundtrack von Eric Serra schaffen eine Atmosphäre, der man sich kaum entziehen kann. Doch genau hier liegt die Gefahr. Wenn Gewalt so stilisiert wird, verliert sie ihre Schrecken. Wir fangen an, für den Killer zu jubeln. Wir wollen, dass er seine Feinde ausschaltet, ungeachtet der Tatsache, dass er selbst ein Teil des Abschaums ist, den er bekämpft. Die moralische Ambiguität wird hier nicht zur Reflexion genutzt, sondern zur Manipulation des Zuschauers.
Der Mythos des edlen Wilden
Ein zentrales Argument der Verteidiger dieses Films ist oft die angebliche Unschuld des Protagonisten. Er wird als eine Art edler Wilder dargestellt, der in einer korrupten Welt nur überlebt, indem er seine Regeln befolgt. Er liest nicht, er schreibt kaum, er trinkt nur Milch. Diese Infantilisierung des Killers dient dazu, ihn von der Verantwortung für seine Taten freizusprechen. Wenn er jedoch ein Kind in sein blutiges Handwerk einführt, bricht dieses Kartenhaus der Unschuld zusammen. Man kann nicht gleichzeitig ein naiver Tor und ein professioneller Vollstrecker sein, der die Zerstörung einer jungen Seele in Kauf nimmt. Die psychologische Tiefe, die dem Film oft zugeschrieben wird, ist bei genauerer Betrachtung eine flache Rechtfertigung für eine fragwürdige Dynamik.
Die Rolle des Antagonisten als Ablenkungsmanöver
Gary Oldman spielt den korrupten Polizisten Stansfield mit einer manischen Energie, die ihn fast schon zu einer Karikatur macht. Das ist ein genialer Schachzug des Drehbuchs. Indem man einen Bösewicht erschafft, der so offensichtlich wahnsinnig und grausam ist, wirkt der Protagonist im Vergleich dazu fast wie ein Heiliger. Stansfield mordet aus Lust und unter Drogeneinfluss, während der Profi es aus Notwendigkeit und mit Disziplin tut. Diese Gegenüberstellung ist jedoch ein billiger Trick. Er soll uns davon ablenken, dass beide Seiten des Gesetzes in diesem Film moralisch bankrott sind. Wir wählen das vermeintlich kleinere Übel und merken dabei nicht, dass wir uns auf die Seite eines Mannes stellen, der die Zukunft eines Kindes opfert, um seine eigene Einsamkeit zu lindern.
Die Verklärung des französischen Actionkinos
Es gibt in der Filmkritik oft eine Tendenz, europäische Produktionen wohlwollender zu bewerten, wenn sie Hollywood-Konventionen herausfordern. Jean Reno Leon Der Profi galt lange Zeit als das perfekte Beispiel dafür, wie man das Action-Genre mit europäischem Tiefgang bereichern kann. Man sah darin eine Antwort auf die stumpfen Blockbuster der Ära. Doch bei ehrlicher Analyse ist der Tiefgang eine Illusion. Der Film nutzt die gleichen Mechanismen wie seine amerikanischen Pendants, garniert sie aber mit einer Prise Weltschmerz und Melancholie, um intellektueller zu wirken, als er tatsächlich ist.
Man kann argumentieren, dass das Werk für seine Entstehungszeit revolutionär war. Das stimmt technisch gesehen auch. Die Kameraarbeit und der Schnitt haben Standards gesetzt, die bis heute nachwirken. Aber technische Brillanz darf kein Freifahrtschein für inhaltliche Verwahrlosung sein. Wenn wir uns heute weigern, die dunklen Untertöne der Geschichte zu thematisieren, betreiben wir Geschichtsklitterung im Namen der Nostalgie. Wir halten an einem Bild fest, das wir als Jugendliche toll fanden, und weigern uns, die hässliche Fratze dahinter zu erkennen.
Die Realität ist, dass dieser Film eine toxische Beziehung verherrlicht. Mathilda ist keine emanzipierte junge Frau, die ihr Schicksal in die Hand nimmt. Sie ist ein traumatisiertes Opfer, das von einem unfähigen Erwachsenen in eine Welt hineingezogen wird, in der sie niemals hätte sein dürfen. Dass sie am Ende in einem Internat landet und eine Pflanze eingräbt, soll uns ein Gefühl von Hoffnung vermitteln. In Wahrheit ist sie eine gebrochene Person, deren Leben unwiderruflich beschädigt wurde. Das ist das wahre Vermächtnis, das wir oft ignorieren.
Skeptiker werden nun sagen, dass Kunst nicht moralisch sein muss. Das ist ein valider Punkt. Kunst darf provozieren, sie darf Grenzen überschreiten und sie darf uns unwohl fühlen lassen. Aber wenn eine Produktion so tut, als sei sie eine herzerwärmende Geschichte über Freundschaft, während sie gleichzeitig die Ausbildung eines Kindersoldaten ästhetisiert, dann ist das keine Provokation, sondern Unehrlichkeit. Wir müssen in der Lage sein, die handwerkliche Leistung zu bewundern, ohne den ethischen Kollaps der Erzählung zu leugnen.
Es ist nun mal so, dass Klassiker mit der Zeit altern. Manchmal altern sie wie Wein, manchmal wie Milch. Im Fall dieser speziellen Geschichte ist der Prozess komplizierter. Die visuelle Kraft bleibt unbestritten, aber die Geschichte selbst fühlt sich heute wie ein Relikt einer Ära an, die wegsah, wenn es kompliziert wurde. Wir sollten aufhören, dieses Werk auf ein Podest zu stellen, ohne über den Preis zu sprechen, den die Charaktere – und wir als Zuschauer – für diese Unterhaltung zahlen. Der Film ist kein Denkmal der Menschlichkeit, sondern ein glänzendes Monument für das Wegschauen vor der eigenen moralischen Verantwortung.
Wahrer filmischer Genuss erfordert Ehrlichkeit, und die ehrlichste Sicht auf diesen Kultfilm offenbart ein Werk, das uns alle zu Komplizen einer Geschichte macht, die eigentlich nur Verlierer kennt. Wir haben uns von einem Killer und einem Kind eine Lüge über Loyalität verkaufen lassen, während die Kamera jede Träne und jede Kugel so perfekt in Szene setzte, dass wir vergaßen, die richtigen Fragen zu stellen.
Wer den Film heute noch einmal sieht, wird feststellen, dass die Magie verblasst ist, sobald man die moralischen Scheuklappen ablegt. Es bleibt ein technisches Meisterstück mit einem schwarzen Loch im Zentrum. Wir müssen akzeptieren, dass unsere Helden der Kindheit oft nur Schattenfiguren in einem Spiel sind, dessen Regeln wir damals nicht verstanden haben.
Das Kino hat die Kraft zu verwandeln, aber es hat auch die Macht zu täuschen. Wenn wir diesen Klassiker betrachten, sehen wir nicht die Rettung eines Mädchens, sondern die perfekte Inszenierung ihres Untergangs.
