Man erinnert sich gerne an den Moment, als ein schweigsamer Mann mit zwei Kugeln im Rücken aus dem Mittelmeer gefischt wurde und damit das Gesicht des Spionagekinos für immer veränderte. Die gängige Erzählung besagt, dass The Bourne Identity 2002 Film den Startschuss für einen neuen Realismus gab, eine Abkehr von den lachhaften Gadgets und den hölzernen Superhelden des Kalten Krieges. Doch wer heute mit ein wenig Abstand auf die flackernden Bilder blickt, erkennt eine bittere Ironie. Was wir als Gewinn an Authentizität feierten, war in Wahrheit der Anfang vom Ende der räumlichen Klarheit im Kino. Wir glauben, Doug Liman habe uns die Wahrheit über Spionage gezeigt, dabei hat er uns lediglich beigebracht, wie man Orientierungslosigkeit als Stilmittel verkauft. Dieser Film war kein Befreiungsschlag für das Genre, sondern eine ästhetische Sackgasse, die das Handwerk des Action-Schnitts bis heute in Geiselhaft nimmt.
Das Erbe von The Bourne Identity 2002 Film und die Zerstörung des Raums
Es gibt diese eine Szene in Paris, in der ein namenloser Killer durch ein Fenster bricht und ein Kampf in einer engen Wohnung entbrennt. Hier wurde ein Standard gesetzt. Die Kamera zittert, der Schnitt ist so schnell, dass man kaum die Faust vom Ellbogen unterscheiden kann. Damals wirkte das revolutionär. Man nannte es viszeral. Ich saß damals im Kino und spürte diesen Rausch, dieses Gefühl, direkt im Geschehen zu sein. Doch wenn man die Mechanik dahinter seziert, offenbart sich ein Taschenspielertrick. Anstatt eine Kampfchoreografie so präzise zu inszenieren, dass die Bewegung selbst die Geschichte erzählt, verlässt sich die Regie auf die reine Suggestion von Gewalt.
Das Problem liegt in der Nachahmung. In den Jahren nach dem Erscheinen dieses Werks glaubte jeder Regisseur in Hollywood, er könne mangelndes Talent hinter einer wackeligen Handkamera verstecken. Die Klarheit eines Buster Keaton oder eines Jackie Chan, die den Körper im Raum als Zentrum der Erzählung begriffen, wurde durch ein nervöses Zucken ersetzt. Wir haben die Fähigkeit verloren, Action zu lesen. Stattdessen werden wir mit visuellen Informationen bombardiert, die unser Gehirn erst mühsam zusammensetzen muss. Das ist kein Realismus. Das ist die Kapitulation vor der Komplexität einer gut choreografierten Szene. Es ist bezeichnend, dass wir heute Filme wie John Wick feiern, nur weil sie uns erlauben, länger als zwei Sekunden auf eine Einstellung zu blicken, ohne dass uns schwindelig wird.
Die Illusion der Bodenhaftung
Der Erfolg des Projekts basierte maßgeblich auf dem Kontrast zum damaligen Zustand der James-Bond-Reihe. Während Pierce Brosnan in einem unsichtbaren Auto über Eisflächen rutschte, wirkte Matt Damon wie ein gewöhnlicher Student, der zufällig weiß, wie man einen Kugelschreiber als tödliche Waffe einsetzt. Diese Bodenständigkeit war jedoch eine sorgfältig konstruierte Fassade. Der Protagonist ist kein Mensch aus Fleisch und Blut, sondern eine perfekte Rechenmaschine. Die Brillanz des Drehbuchs liegt darin, uns seine Übermenschlichkeit als reine Intuition zu verkaufen. Wir identifizieren uns mit ihm, nicht weil er realistisch ist, sondern weil er die ultimative Kompetenz-Fantasie bedient. Er weiß immer, wo der nächste Notausgang ist. Er weiß immer, wie viele Leute im Raum sind. Er ist die Antithese zum modernen, überforderten Individuum.
Die psychologische Tiefe, die dem Film oft zugeschrieben wird, ist bei genauerer Betrachtung eher eine geschickte Auslassung. Die Amnesie dient als perfektes Vehikel, um die Last einer Hintergrundgeschichte loszuwerden. Wir erfahren nichts über seine Sünden, nur über seine Fähigkeiten. Das macht ihn zu einer leeren Projektionsfläche. In der deutschen Kinolandschaft, die oft so schwerfällig mit moralischen Dilemmata umgeht, wirkte diese Schlankheit der Erzählung erfrischend. Aber sie ist auch oberflächlich. Man kann das Rad der Spionage nicht neu erfinden, indem man die Speichen weglässt und behauptet, das Loch in der Mitte sei die neue Wahrheit.
Warum die Wackelkamera ein Missverständnis der Realität bleibt
Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass eine unruhige Kameraführung die Perspektive eines Beteiligten simuliert. Wer schon einmal in eine körperliche Auseinandersetzung geraten ist, weiß, dass das Gehirn unter Adrenalin den Fokus extrem verengt. Man sieht alles scharf, fast schon in Zeitlupe. Das Chaos im Kopf korreliert nicht mit einem Chaos im Sichtfeld. The Bourne Identity 2002 Film etablierte jedoch die Vorstellung, dass Hektik gleichbedeutend mit Intensität sei. Dieser visuelle Code hat sich so tief in unser kollektives Verständnis eingebrannt, dass wir ruhige Kamerafahrten heute fast schon als künstlich empfinden.
Skeptiker werden nun einwenden, dass genau dieser Stil die Paranoia des Protagonisten widerspiegelt. Sie werden sagen, dass die hektische Montage den inneren Zustand eines Mannes ohne Gedächtnis perfekt einfängt. Das mag für die erste Viertelstunde stimmen. Doch als universelles Prinzip für Actionsequenzen versagt dieser Ansatz. Wenn ich nicht mehr weiß, wer wen schlägt und wo sich die Protagonisten im Verhältnis zur Tür befinden, verliere ich die emotionale Bindung an den Ausgang des Kampfes. Spannung entsteht durch Antizipation. Ich muss sehen, dass eine Gefahr droht, um mitzufiebern. Wenn die Gefahr erst im Moment des Aufpralls durch einen schnellen Schnitt sichtbar wird, bleibt nur der Schockeffekt. Und Schock ist der billige Cousin der Spannung.
Die Entmenschlichung der Spionage
Ein weiterer Aspekt, der oft übersehen wird, ist die Darstellung der Bürokratie. Der Film zeigt uns Agenten, die hinter Computerbildschirmen sitzen und über Leben und Tod entscheiden. Das war im Jahr 2002 eine scharfe Kritik an der technokratischen Kriegsführung der USA nach den Ereignissen von 2001. Die CIA wird hier nicht als Hort von Helden gezeigt, sondern als ein Unternehmen, das seine Altlasten effizient entsorgen will. Das ist die eigentliche Stärke der Erzählung. Sie nimmt dem Geheimdienst das Mystische und ersetzt es durch das Banale des Bösen.
Doch auch hier schlägt das Pendel in eine problematische Richtung aus. Indem der Film den Kampf gegen das System zu einer rein physischen Angelegenheit macht, verdeckt er die politischen Implikationen. Es geht am Ende nur noch darum, dass ein Mann seine Ruhe will. Das ist eine sehr amerikanische, fast schon frontier-artige Vorstellung von Freiheit. Das Individuum gegen den Staat, gelöst durch Gewalt. In Europa haben wir eine andere Tradition des Polit-Thrillers, man denke an die kühlen, analytischen Werke eines Costa-Gavras oder die frühen Verfilmungen von John le Carré. Dort war die Moral das Schlachtfeld, nicht die Hotellobby. Die Verlagerung auf die reine Action-Ebene hat das Genre letztlich intellektuell entkernt, auch wenn es sich den Anstrich von Wichtigkeit gab.
Wir müssen uns eingestehen, dass unsere Bewunderung für diesen speziellen Stil eher aus einer Ermüdung gegenüber dem Kitsch der Neunziger resultierte als aus der Qualität des Neuen. Wir wollten, dass Bond stirbt, damit wir uns nicht mehr für ihn schämen mussten. Aber in diesem Eifer haben wir die Grammatik des Kinos geopfert. Wir haben das Handwerk der Inszenierung gegen den Rausch der Montage eingetauscht. Es ist eine Entwicklung, die wir heute in fast jedem Blockbuster sehen, wo das Bild nur noch ein Vorschlag ist, den das Auge kaum noch greifen kann.
Der Film hat eine Tür aufgestoßen, hinter der keine neue Welt wartete, sondern lediglich ein dunkler Raum voller Spiegel, in denen wir uns vor lauter Bewegung selbst nicht mehr erkennen können. Wir feierten den Realismus und bekamen doch nur eine neue, hektischere Form der Verwirrung geliefert.
Wahre Meisterschaft im Actionkino zeigt sich nicht darin, wie sehr man den Zuschauer schüttelt, sondern wie ruhig man ihn halten kann, während die Welt um ihn herum explodiert.
