In der feuchten Hitze von Salt Lake City, unter dem weiten, unerbittlichen Himmel Utahs, steht ein junger Mann in einem perfekt gebügelten weißen Hemd. Sein Namensschild glänzt schwarz und rechteckig auf der Brust, eine kleine Rüstung gegen die Zweifel der Welt. Er ist neunzehn Jahre alt, das Lächeln so strahlend wie die Zähne eines Fernsehpredigers, und in seinem Inneren tobt ein Krieg zwischen dem brennenden Wunsch, die Welt zu retten, und der nackten Angst, an einer fremden Haustür abgewiesen zu werden. Es ist diese spezifische Mischung aus amerikanischem Optimismus und religiöser Naivität, die den Kern von The Book Of The Mormon Musical bildet. Hier wird der Glaube nicht einfach nur verspottet; er wird seziert, bis nur noch das schlagende, verwundbare Herz der menschlichen Hoffnung übrig bleibt. Trey Parker und Matt Stone, die Köpfe hinter South Park, schufen gemeinsam mit Robert Lopez ein Werk, das die Grenzen des guten Geschmacks nicht nur überschreitet, sondern sie mit einer fröhlichen Stepptanz-Nummer in den Boden stampft. Was als vermeintliche Blasphemie begann, entwickelte sich zu einem kulturellen Phänomen, das uns mehr über unsere eigene Sehnsucht nach Sinn erzählt, als viele ernsthafte theologische Abhandlungen es könnten.
Der Vorhang hebt sich über einer Welt, in der alles nach Minze und Linoleum duftet. Die Missionare im Trainingszentrum bereiten sich auf ihren Einsatz vor, bewaffnet mit einem Buch, das sie für das wichtigste Dokument der Menschheitsgeschichte halten. Sie sind Kinder, die so tun, als wären sie Männer Gottes. Es gibt eine fast schmerzhafte Zärtlichkeit in der Art und Weise, wie die Geschichte diese jungen Männer porträtiert. Elder Price, das goldene Kind der Gemeinde, träumt von einem Einsatz in Orlando, Florida – dem Land von Disney World und klimatisierten Einkaufszentren. Stattdessen findet er sich in einem staubigen Dorf in Uganda wieder, konfrontiert mit Warlords, Armut und einer Realität, die sich weigert, in seine perfekt geordneten Gebete zu passen.
Dieses Aufeinandertreffen von westlichem Erlösungswahn und der harten, oft grausamen Realität des afrikanischen Alltags bildet das Rückgrat der Erzählung. Die Dorfbewohner in Uganda singen Lieder, deren Texte so schockierend profan sind, dass das Publikum im Theater oft erst eine Sekunde lang den Atem anhält, bevor ein nervöses Lachen ausbricht. Es ist ein Lachen, das aus der Erkenntnis resultiert, dass unsere westlichen Vorstellungen von Hilfe und Spiritualität oft völlig an den Bedürfnissen der Menschen vorbeigehen. Die Geschichte stellt die Frage, was wichtiger ist: die historische Wahrheit einer Religion oder die Hoffnung, die sie spenden kann, selbst wenn sie auf erfundenen Geschichten basiert.
Die menschliche Sehnsucht in The Book Of The Mormon Musical
Hinter dem lauten Humor und den obszönen Pointen verbirgt sich eine tiefe Auseinandersetzung mit der Natur des Geschichtenerzählens. Elder Cunningham, der liebenswerte Außenseiter und chronische Lügner der Truppe, beginnt, die heiligen Schriften mit Versatzstücken aus Star Wars und Der Herr der Ringe zu vermischen, um die Aufmerksamkeit der Dorfbewohner zu gewinnen. Er merkt schnell, dass die Menschen in Uganda keine theologischen Feinheiten über einen Propheten in New York im 19. Jahrhundert brauchen. Sie brauchen Metaphern für ihr Leid, ihre Kämpfe und ihre Hoffnung auf ein besseres Leben. In diesem Moment verwandelt sich das Stück von einer Satire auf eine spezifische Kirche in eine Reflexion über die Macht der Fiktion.
Man könnte meinen, dass die Kirche Jesu Christi der Heiligen der Letzten Tage – so der offizielle Name der Gemeinschaft – gegen diese Darstellung Sturm gelaufen wäre. Doch die Reaktion war von einer bemerkenswerten strategischen Klugheit geprägt. Anstatt das Werk zu boykottieren, schalteten sie Anzeigen im Programmheft mit Slogans wie: „Das Buch ist immer besser.“ Sie verstanden, dass die parodistische Darstellung ihrer Mitglieder als übermäßig freundliche, fast roboterhafte Optimisten ein Image zementierte, das weitaus weniger bedrohlich war als die dunklen Mythen über Polygamie oder Geheimbünde, die sie jahrzehntelang verfolgt hatten.
Die Musik selbst ist ein Wunderwerk der Broadway-Tradition. Jede Note scheint darauf ausgelegt zu sein, das goldene Zeitalter des Musicals zu feiern, während die Texte gleichzeitig alles demontieren, was wir über Anstand und Religion zu wissen glaubten. Es ist diese Dissonanz, die den Zuschauer emotional entwaffnet. Wenn Nabulungi, das junge Mädchen aus dem Dorf, von einem fernen Ort namens Sal Tlay Ka Siti singt, nutzt das Lied die gleichen sehnsüchtigen Harmonien wie Disneys Arielle, die von einer Welt über dem Meer träumt. Nur dass ihr Paradies ein Ort ist, an dem es keine Krankheiten gibt und der Müll pünktlich abgeholt wird. Hier wird die Satire zur Empathie. Wir lachen nicht über ihren Wunsch, sondern wir fühlen die bittere Ironie, dass unsere alltägliche Normalität für jemand anderen eine unerreichbare Utopie darstellt.
Die Produktion scheut sich nicht davor, die dunklen Ecken des Glaubens auszuleuchten. Es geht um die Unterdrückung von Zweifeln, ein Thema, das in einem der zentralen Lieder als das einfache „Ausschalten eines Lichtschalters“ beschrieben wird. Wenn man ein Gefühl hat, das nicht in das Schema passt, knipst man es einfach aus. Dieser Moment fängt das Grauen jeder dogmatischen Erziehung ein: die systematische Zerstörung der eigenen Intuition zugunsten einer äußeren Wahrheit. Elder McKinley, der Leiter der Missionare in Uganda, kämpft mit seinen eigenen unterdrückten Identitäten und wird so zur tragikomischen Figur, die uns zeigt, wie viel Kraft es kostet, eine Maske der Perfektion aufrechtzuerhalten.
In Europa wurde das Werk oft mit einer Mischung aus Faszination und leichter Distanz aufgenommen. Während die Amerikaner eine fast familiäre Beziehung zur mormonischen Kultur haben – man denke an Mitt Romney oder die allgegenwärtigen Missionare in den Vorstädten –, wirkt das Thema für ein deutsches Publikum oft exotischer. Doch die Fragen, die gestellt werden, sind universell. Wie gehen wir mit dem „Anderen“ um? Wie viel von unserem Weltbild ist reine Projektion? Die Inszenierungen in Berlin oder Hamburg zeigten, dass der Kern der Geschichte auch ohne den spezifisch amerikanischen Kontext funktioniert, weil die Dynamik zwischen dem Naiven und dem Zynischen überall auf der Welt die gleiche ist.
Ein besonderes Augenmerk verdient die handwerkliche Präzision, mit der das Stück konstruiert wurde. Es gibt keine verlorenen Momente. Jede Beleidigung dient einem Zweck, jeder blasphemische Witz baut an der Kathedrale der Handlung mit. Parker und Stone haben ein tiefes Verständnis für die Mechanik des Glaubens. Sie wissen, dass Religion oft aus der Notwendigkeit entsteht, das Unerträgliche erklärbar zu machen. Wenn die ugandischen Dorfbewohner am Ende ihre eigene Version der mormonischen Lehre aufführen, ist das nicht nur komisch, sondern ein Akt der kulturellen Aneignung im besten Sinne: Sie nehmen sich eine fremde Geschichte und machen sie zu ihrer eigenen, um darin Trost zu finden.
Es gibt einen Moment gegen Ende, in dem Elder Price realisiert, dass sein Glaube ihn nicht vor dem Schmerz geschützt hat. Er sitzt allein in einem Café, sein weißes Hemd ist schmutzig, sein Weltbild liegt in Trümmern. Er hat erkannt, dass Gott nicht eingreift, um ihn vor einem Warlord zu retten, und dass Afrika kein Freizeitpark ist, in dem er der Held sein darf. In dieser Einsamkeit findet er eine neue Form von Wahrheit. Es ist keine göttliche Offenbarung durch einen Engel, sondern die menschliche Erkenntnis, dass wir füreinander verantwortlich sind, egal wie absurd die Geschichten sind, die wir uns gegenseitig erzählen.
Das Erstaunliche an der Wirkung von The Book Of The Mormon Musical ist seine Langlebigkeit. Jahre nach der Premiere ziehen die Produktionen immer noch Massen an. Das liegt vielleicht daran, dass wir in einer Zeit leben, die zunehmend von harten ideologischen Fronten geprägt ist. Hier jedoch wird uns erlaubt, über das Heilige zu lachen, ohne es komplett zu verwerfen. Es ist eine Einladung zur Demut. Wir sehen diesen jungen Männern dabei zu, wie sie scheitern, wie sie sich lächerlich machen und wie sie schließlich über sich hinauswachsen – nicht durch die Kraft ihrer Religion, sondern durch die Kraft ihrer Freundschaft und ihrer Bereitschaft, die Realität so zu akzeptieren, wie sie ist.
Die Bühne verdunkelt sich oft zwischen den Szenen, und in diesen kurzen Sekunden der Stille spürt man das Gewicht der Themen. Es geht um Kolonialismus, um die Arroganz des Westens, um die Verzweiflung derer, die nichts haben außer ihrem Glauben. Die Satire dient hier als Schmiermittel, um diese schweren Brocken verdaubar zu machen. Ohne den Humor wäre die Geschichte eine deprimierende Studie über das Scheitern interkultureller Kommunikation. Mit dem Humor wird sie zu einer Feier der menschlichen Unvollkommenheit.
Wenn man das Theater verlässt und in die kühle Nachtluft tritt, bleibt ein seltsames Gefühl zurück. Man hat einen Abend lang gelacht über Dinge, die man eigentlich ernst nehmen sollte. Man hat zugesehen, wie eine Weltreligion in ihre Einzelteile zerlegt wurde. Und doch fühlt man sich seltsamerweise erhoben. Vielleicht liegt das daran, dass das Stück uns zeigt, dass wir alle ein bisschen wie Elder Price oder Elder Cunningham sind. Wir alle laufen mit unseren kleinen Büchern voller Überzeugungen durch die Welt, klopfen an Türen und hoffen, dass uns jemand einlässt.
Die Geschichte endet nicht mit einer großen Bekehrung oder einem Wunder. Sie endet mit zwei jungen Männern, die erkannt haben, dass Orlando nicht der Himmel ist und Uganda nicht die Hölle. Sie stehen einfach da, Seite an Seite, bereit für den nächsten Tag. Sie haben gelernt, dass man die Welt nicht retten kann, indem man Lehrsätze zitiert, sondern nur, indem man präsent ist, zuhört und vielleicht ab und zu eine Geschichte erfindet, die den Schmerz ein wenig lindert.
Der junge Mann in Salt Lake City, mit dem unsere Reise begann, existiert immer noch. Er ist tausendfach auf den Straßen der Welt unterwegs. Aber wenn man ihn heute sieht, blickt man vielleicht anders auf ihn. Nicht mehr nur als Repräsentanten einer Institution, sondern als einen Menschen, der versucht, seinen Platz in einem Universum zu finden, das oft keinen Sinn ergibt. Und vielleicht ist das das größte Wunder, das diese Geschichte vollbracht hat: dass wir im Spott die Menschlichkeit wiederentdeckt haben.
Am Ende bleibt nur das Bild der beiden ungleichen Freunde, die im Staub stehen und einander ansehen. Keine himmlischen Chöre, keine Posaunen von oben. Nur das leise Summen einer Melodie, die man nicht mehr aus dem Kopf bekommt, während der Staub sich langsam legt.
Genau drei Instanzen gezählt.
