Wer glaubt, dass eine gute Serie nur aus einem starken Drehbuch besteht, hat die Rechnung ohne das Charisma der Darsteller gemacht. Das Wunderland ist ein tückischer Ort, nicht nur für Alice, sondern auch für die Produzenten bei ABC, die 2013 versuchten, den Erfolg ihrer Hauptserie zu duplizieren. Die Besetzung von Once Upon a Time in Wonderland stand vor der gewaltigen Aufgabe, eine vertraute Welt völlig neu zu interpretieren, ohne dabei den Bezug zum Original zu verlieren. Man braucht nur fünf Minuten der ersten Folge zu sehen, um zu merken, dass hier nicht an der Qualität der Schauspieler gespart wurde. Sophie Lowe bringt eine Zerbrechlichkeit und gleichzeitig eine fast schon beängstigende Entschlossenheit in die Rolle der Alice, die man so in den Disney-Filmen nie gesehen hat. Sie spielt keine naive Göre, die in ein Kaninchenbau fällt, sondern eine junge Frau, die durch Schmerz und den Verlust ihres Geliebten gezeichnet ist.
Warum die Besetzung von Once Upon a Time in Wonderland so mutig war
Der Cast musste sich gegen den Vorwurf behaupten, nur ein billiger Ableger der Story von Emma Swan und Regina Mills zu sein. Die Macher entschieden sich für eine Mischung aus Newcomern und gestandenen Charakterköpfen. Das war klug. Man wollte keine Kopien. Man wollte frisches Blut. Sophie Lowe war zu diesem Zeitpunkt kein Weltstar, was ihr half, die Rolle der Alice völlig unvoreingenommen zu füllen. Sie wirkt authentisch verzweifelt, wenn sie in der Heilanstalt von Bethlem sitzt und versucht, ihre Erlebnisse als Realität zu verkaufen. Wenn Ihnen dieser Beitrag zugesagt hat, sollten Sie einen Blick werfen auf: diesen verwandten Artikel.
Peter Gadiot als Herzstück der Erzählung
Cyrus ist mehr als nur der hübsche Junge aus der Wunderlampe. Peter Gadiot spielt den Dschinn mit einer Mischung aus Hoffnung und jahrhundertelanger Müdigkeit. Das ist schwer darzustellen. Oft wirken Liebesbeziehungen in Fantasy-Serien hölzern oder wie aus dem Katalog bestellt. Hier funktioniert es. Man nimmt ihnen ab, dass sie sich durch Welten hindurch suchen würden. Gadiot verleiht der Figur eine physische Präsenz, die den Kontrast zum oft etwas künstlich wirkenden CGI-Wunderland bildet. Er ist der Anker der Geschichte.
Der Kniff mit dem Herzbuben
Michael Socha ist für mich der heimliche Star. Er spielt Will Scarlet, den Herzbuben, mit diesem unverkennbaren britischen Working-Class-Charme. Das bringt eine dringend nötige Erdung in das bunte Chaos. Socha kam direkt aus der britischen Serie Being Human und brachte diese rohe, ehrliche Energie mit. Er ist der zynische Beobachter, der eigentlich gar nicht da sein will, aber dessen Herz doch am rechten Fleck sitzt. Ohne ihn wäre die Dynamik der Gruppe viel zu ernst und pathetisch gewesen. Er liefert den Comic Relief, ohne zur Karikatur zu verkommen. Experten bei Filmstarts haben sich ebenfalls geäußert zu diesem Thema.
Die Gegenspieler und ihre komplexe Motivation
Ein Märchen ist nur so gut wie sein Bösewicht. Das gilt für das Fernsehen doppelt. Emma Rigby schlüpft in die Rolle der Roten Königin. Anfangs wirkt sie wie die typische, machthungrige Herrscherin, aber die Serie nimmt sich Zeit, ihre Hintergrundgeschichte zu beleuchten. Rigby spielt das mit einer unterkühlten Eleganz, hinter der man ständig die Angst vor Ablehnung spüren kann. Es ist eine nuancierte Leistung, die weit über das übliche "Ich will den Thron"-Gehabe hinausgeht.
Jafar als Bedrohung aus dem Orient
Naveen Andrews als Jafar war eine brillante Wahl. Man kannte ihn als Sayid Jarrah aus Lost, und er bringt diese intensive, ruhige Bedrohlichkeit mit, die Jafar zu einem der besten Schurken des Franchise macht. Er brüllt nicht. Er droht leise. Seine Motivation ist tief in familiärer Ablehnung verwurzelt. Das macht ihn menschlich, auch wenn er gerade dabei ist, die Gesetze der Magie zu brechen. Andrews dominiert jede Szene, in der er auftaucht. Wenn er den Raum betritt, verschwindet die bunte Kulisse und es wird ernst. Das ist die Macht eines guten Schauspielers.
Die Stimme des weißen Kaninchens
Man darf die Sprecherrollen nicht vergessen. John Lithgow leiht dem Weißen Kaninchen seine Stimme. Das ist Luxus pur. Lithgow ist ein Titan der Branche. Er schafft es, diesem animierten Wesen eine solche Panik und Unterwürfigkeit einzuhauchen, dass man fast Mitleid mit dem Verräter bekommt. Es zeigt, wie ernst ABC dieses Projekt damals nahm. Man wollte kein zweitklassiges Spin-off, sondern eine eigenständige, hochwertige Produktion. Wer mehr über die Karrieren dieser Darsteller wissen möchte, findet auf IMDb detaillierte Filmografien zu jedem Einzelnen.
Produktion und visueller Stil im Wunderland
Die Serie wurde in Vancouver gedreht, genau wie die Mutterserie. Aber der Look ist anders. Es wurde viel mehr mit Greenscreens gearbeitet. Das war ein Risiko. Manchmal sieht man das begrenzte Budget der Fernseheffekte, aber die Besetzung von Once Upon a Time in Wonderland gleicht das durch ihr Spiel wieder aus. Wenn Alice vor einer offensichtlich digitalen Pilzlandschaft steht, kaufst du ihr das Staunen trotzdem ab, weil Sophie Lowe es mit ihren Augen verkauft. Das ist echtes Handwerk.
Der Unterschied zum Original
Im Gegensatz zu Storybrooke gibt es hier keine reale Welt als Gegenstück, zumindest nicht im klassischen Sinne. Wir verbringen fast die ganze Zeit im Wunderland oder im viktorianischen England. Das erfordert von den Schauspielern eine andere Form der Immersion. Sie müssen sich in einer Welt bewegen, die erst in der Postproduktion entsteht. Michael Socha erwähnte in Interviews oft, wie seltsam es war, gegen Tennisbälle an Stangen zu spielen, die später das Kaninchen oder die Grinsekatze wurden. Dass das Ergebnis am Ende so organisch wirkt, spricht für die Professionalität am Set.
Gastauftritte und Erweiterungen
Die Serie nutzte geschickt Überschneidungen. Man sah kurzzeitig Charaktere wie die Grinsekatze, die von Keith David gesprochen wurde. Auch hier wurde auf hohe Qualität gesetzt. Diese kleinen Details sorgen dafür, dass die Welt tief und bewohnt wirkt. Es ist nicht nur eine Kulisse für zwei oder drei Leute, sondern ein funktionierendes Ökosystem aus Magie und Wahnsinn. Eine interessante Analyse zum visuellen Storytelling von Serien findet sich oft in den Archiven von Variety, wo auch die Entstehung dieses Spin-offs kritisch begleitet wurde.
Die Tragik der Absetzung nach nur einer Staffel
Es ist kein Geheimnis, dass die Serie nach 13 Episoden endete. War die Besetzung schuld? Sicherlich nicht. Die Quoten waren das Problem. Die Serie wurde am Donnerstagabend ausgestrahlt, direkt gegen Schwergewichte wie The Big Bang Theory. Das war ein Todesurteil. Dennoch hat die Serie einen Vorteil: Sie ist abgeschlossen. Die 13 Folgen erzählen eine komplette Geschichte. Es gibt keinen Cliffhanger, der dich im Regen stehen lässt. Das macht sie heute zu einem idealen Kandidaten für einen Wochenend-Binge-Watch auf Streaming-Plattformen.
Vermächtnis der Charaktere
Will Scarlet schaffte nach dem Ende der Serie sogar den Sprung in die vierte Staffel der Hauptserie. Das zeigt, wie beliebt Michael Sochas Darstellung war. Leider wussten die Autoren von Once Upon a Time dann nicht so recht, was sie mit ihm anfangen sollten, ohne seine Partnerin Anastasia. Es wirkte wie ein verlorenes Potenzial. Der Charakter brauchte das Wunderland, um wirklich zu glänzen. Dort war er der Held wider Willen, in Storybrooke nur ein weiterer Typ im Diner.
Warum man die Serie heute sehen muss
In einer Zeit, in der Serien oft über sieben oder acht Staffeln gestreckt werden, bis die Luft raus ist, wirkt dieses kurze Abenteuer fast erfrischend. Man bekommt eine dichte Story, tolle Kostüme und eine Gruppe von Schauspielern, die sichtlich Spaß an der Sache hatten. Jafar bleibt einer der am besten geschriebenen Antagonisten im gesamten Märchen-Universum von ABC. Seine Geschichte mit seinem Vater ist herzzerreißend und grausam zugleich. Das ist kein Kinderkram. Das ist Drama im Fantasy-Gewand.
Handwerkliche Aspekte und schauspielerische Tiefe
Man muss sich klar machen, was diese Schauspieler leisten. Sie spielen Archetypen, die wir alle aus unserer Kindheit kennen, müssen ihnen aber eine psychologische Tiefe geben, die im Originalbuch von Lewis Carroll so nicht vorgesehen war. Alice ist hier eine Überlebende eines Traumas. Sie wurde in eine Irrenanstalt gesteckt, weil man ihr nicht glaubte. Diese Schwere trägt Sophie Lowe durch jede Szene. Es ist eine physische Leistung. Sie rennt, kämpft und leidet.
Die Rolle der Kostüme
Die Arbeit der Kostümbildner unterstützte die Darsteller massiv. Die Rote Königin trägt Kleider, die so eng und architektonisch sind, dass sie ihre steife, unnahbare Art unterstreichen. Im Kontrast dazu steht Alice in ihrem praktischen, leicht schmuddeligen Abenteurer-Outfit. Diese visuellen Hinweise helfen dem Zuschauer, die soziale Hierarchie im Wunderland sofort zu verstehen. Die Schauspieler nutzen ihre Kleidung als Rüstung oder als Werkzeug. Das sieht man selten so deutlich wie hier.
Das Drehbuch als Sprungbrett
Edward Kitsis und Adam Horowitz haben das Drehbuch geschrieben. Sie sind bekannt für ihre verschachtelten Zeitebenen. Das fordert die Darsteller heraus. Sie müssen wissen, in welcher Phase der emotionalen Entwicklung ihr Charakter in dieser speziellen Rückblende gerade steckt. Hat Will Scarlet sein Herz schon verloren? Liebt Anastasia den König schon oder ist sie noch auf der Flucht? Das erfordert eine enorme Konzentration und Vorbereitung. Ein Blick auf Serienjunkies zeigt in den alten Rezensionen, wie sehr die Fans damals gerade diese Komplexität schätzten, auch wenn sie Gelegenheitszuschauer vielleicht überforderte.
Fazit für Fans und Neueinsteiger
Wenn du die Hauptserie liebst, ist dieses Spin-off Pflicht. Wenn du Alice im Wunderland magst, aber die Disney-Version zu kitschig findest, ist es erst recht Pflicht. Die Serie ist düsterer, romantischer und in vielerlei Hinsicht mutiger als ihr großer Bruder. Sie traut sich, hässliche Wahrheiten über Liebe und Verrat auszusprechen. Dass die Darstellerriege so harmonisch zusammenarbeitet, ist das größte Plus. Man spürt die Chemie zwischen Alice und Will, die eher eine tiefe Freundschaft als eine Romanze ist. Das ist eine seltene Dynamik im Fernsehen.
Wo sind die Schauspieler heute?
Sophie Lowe ist weiterhin in anspruchsvollen Indie-Produktionen zu sehen. Peter Gadiot hat in Serien wie Queen of the South bewiesen, dass er ein Hauptdarsteller-Format hat. Michael Socha bleibt der König des britischen Charakterdramas. Es ist schön zu sehen, dass die Serie für viele ein Karrieresprungbrett war. Sie haben es verdient. Sie haben aus einer potenziell albernen Märchenidee etwas Greifbares und Emotionales gemacht.
Was wir daraus lernen können
Die Serie lehrt uns, dass man manchmal gegen Windmühlen kämpfen muss, genau wie Alice. Auch wenn der Erfolg beim breiten Publikum ausblieb, bleibt ein Kultklassiker zurück. Es ist ein Beweis dafür, dass Qualität nicht immer in Einschaltquoten gemessen werden kann. Manchmal reicht es, 13 perfekte Stunden Fernsehen zu produzieren, die auch Jahre später noch Menschen begeistern können.
- Suche dir ein ruhiges Wochenende aus.
- Schalte die erste Folge ein und achte auf die Nuancen im Spiel von Sophie Lowe.
- Lass dich nicht von den teilweise schwachen CGI-Effekten abschrecken; konzentriere dich auf die Dialoge.
- Beobachte die Entwicklung der Roten Königin – es ist eine der besten Wandlungen der Serie.
- Genieße die Reise durch den Kaninchenbau, denn sie ist schneller vorbei, als dir lieb sein wird.
