Manche Filme existieren nicht, um Kinogeschichte zu schreiben, sondern um als seltsame Artefakte einer untergehenden Epoche zu dienen. Wer heute auf die Besetzung von Once Upon a Time in Venice blickt, sieht auf den ersten Blick eine Ansammlung von Namen, die in den Neunzigerjahren jedes Studiobudget gesprengt hätten. Bruce Willis, John Goodman, Jason Momoa – das liest sich wie eine Liste für einen Blockbuster. Doch genau hier liegt der Trugschluss, dem das Publikum oft erliegt. Wir glauben, dass Stars ein Qualitätsversprechen sind, eine Versicherung gegen die Belanglosigkeit. In Wahrheit war dieser Film das deutlichste Signal dafür, dass das alte Starkino Hollywoods endgültig implodiert ist. Es geht hier nicht um einen misslungenen Action-Klamauk, sondern um das Phänomen, wie große Namen zu einer rein dekorativen Währung verkommen sind.
Ich erinnere mich an die Zeit, als ein Bruce-Willis-Plakat eine Garantie für ein gewisses Maß an Energie war. Bei diesem Projekt aus dem Jahr 2017 spürte man jedoch jede Sekunde die Müdigkeit einer Industrie, die versuchte, mit den alten Rezepten im neuen Streaming-Zeitalter zu überleben. Die Besetzung von Once Upon a Time in Venice wirkt wie aus einem Katalog für Nostalgiker zusammengestellt, ohne dass die Akteure jemals wirklich im selben Raum zu atmen scheinen. Das ist kein Zufall. Es ist das Ergebnis einer Produktion, die Namen einkauft, um Algorithmen zu füttern, statt Charaktere zu erschaffen. Wer denkt, dieser Film sei einfach nur schlecht besetzt, versteht die Mechanik dahinter nicht. Er ist perfekt besetzt für eine Welt, in der das Gesicht auf dem Thumbnail wichtiger ist als die Chemie vor der Kamera.
Die Besetzung von Once Upon a Time in Venice als Spiegel des Verfalls
Wenn man die Karrierewege der Beteiligten analysiert, offenbart sich ein Muster. John Goodman, ein Gigant des Charakterfachs, wirkt hier fast verloren. Thomas Middleditch, damals auf dem Höhepunkt seines Erfolgs mit Silicon Valley, sollte wohl das junge Publikum abholen. Es ist eine Mixtur, die auf dem Papier Sinn ergibt, in der Umsetzung aber die Seele vermissen lässt. Skeptiker könnten nun einwerfen, dass es sich lediglich um eine kleine Independent-Produktion handelt, die eben nehmen musste, was sie kriegen konnte. Doch das greift zu kurz. Wenn ein Kaliber wie Goodman zusagt, geschieht das meist aus einer Mischung aus Gefälligkeit und dem Prinzip Hoffnung. Aber Hoffnung ist kein guter Regisseur.
Der Kern des Problems liegt in der Fragmentierung der Drehtage. Man sieht es dem Werk an. Die großen Namen agieren oft isoliert. Es gibt kaum Momente echter Interaktion, die über das absolut Notwendige hinausgehen. Das System Hollywood hat sich darauf spezialisiert, die Zeit der Stars in winzige Häppchen zu zerlegen. Ein paar Tage hier, ein paar Greenscreen-Aufnahmen dort. Das Ergebnis ist eine visuelle und erzählerische Sterilität. Wir sehen keine Schauspieler, die eine Geschichte erleben. Wir sehen Markenbotschafter, die ihren Vertrag erfüllen. Das ist die traurige Wahrheit hinter der Besetzung von Once Upon a Time in Venice, die viele Fans bis heute nicht wahrhaben wollen, weil sie lieber an das Image ihrer Helden glauben.
Das Missverständnis der Starpower
Warum schauen wir uns das überhaupt noch an? Die Antwort liegt in unserer psychologischen Bindung an Gesichter. Wir sind darauf programmiert, Vertrautem zu folgen. Die Produzenten wussten das. Sie setzten darauf, dass die bloße Präsenz von Bruce Willis ausreicht, um die Leere des Drehbuchs zu kaschieren. Dass Willis zu diesem Zeitpunkt bereits mit gesundheitlichen Herausforderungen kämpfte, die erst Jahre später öffentlich wurden, wirft ein noch dunkleres Licht auf die gesamte Produktion. Es wirkt im Rückblick fast zynisch, wie seine verbleibende Strahlkraft für einen Film genutzt wurde, der inhaltlich kaum mehr als eine Aneinanderreihung von müden Pointen über einen gestohlenen Hund bietet.
Es ist leicht, die Schauspieler zu beschimpfen. Aber sie sind nur Rädchen in einer Maschine, die auf Effizienz statt auf Kunst getrimmt ist. Ein Jason Momoa, kurz bevor er als Aquaman zum globalen Phänomen wurde, bringt zwar eine physische Präsenz mit, darf aber kaum mehr tun, als ein wandelndes Klischee zu spielen. Das zeigt die Verschwendung von Potenzial in Reinform. Wir haben es hier mit einem Paradebeispiel für das zu tun, was Kritiker oft als Scheckheft-Kino bezeichnen. Man kauft sich Relevanz ein, statt sie durch eine gute Erzählweise zu verdienen.
Wenn Nostalgie zur Falle wird
Die kulturelle Bedeutung dieses Films liegt ironischerweise in seiner Bedeutungslosigkeit. Er markiert den Moment, in dem die Grenze zwischen Kino und direkt für den Heimvideomarkt produzierten Billigproduktionen endgültig verwischt ist. Früher gab es eine klare Trennung. Entweder man spielte in der ersten Liga oder man verschwand in den dunklen Ecken der Videothek. Heute reicht ein bekannter Name, um auf den Startseiten der großen Plattformen zu landen, egal wie lieblos das Endprodukt ist. Wir als Zuschauer sind Teil des Problems, weil wir immer noch auf die alten Reize reagieren. Wir klicken auf das Bild von Willis, weil wir den Geist von Stirb Langsam suchen, auch wenn wir wissen, dass wir ihn dort nie wieder finden werden.
Man kann die Besetzung von Once Upon a Time in Venice als eine Art Resterampe der Popkultur sehen. Das klingt hart, ist aber die einzige logische Schlussfolgerung, wenn man sich die Diskrepanz zwischen dem Talent der Darsteller und der Qualität des Films ansieht. Es ist, als würde man ein Gourmet-Team bitten, eine Tüte Instantsuppe aufzuwärmen. Natürlich können sie das, aber man schmeckt am Ende trotzdem nur das Pulver. Die Branche hat gelernt, dass der Name eines Stars oft mehr wert ist als seine eigentliche Leistung. Das ist das wahre Erbe dieses Films.
Die Illusion der Wahl
Oft wird argumentiert, dass solche Filme wichtig sind, um die Karrieren von Nachwuchstalenten zu stützen oder Crews in Hollywood Arbeit zu geben. Das ist ein valider Punkt. Aber rechtfertigt das die künstlerische Bankrotterklärung? Ich glaube nicht. Wenn wir akzeptieren, dass Namen nur noch als Platzhalter für Qualität dienen, geben wir den Anspruch an das Medium Film als Ganzes auf. Die Zuschauer in Deutschland, die oft einen sehr feinen Sinn für Authentizität haben, spüren diesen Mangel an Ernsthaftigkeit meist sofort. Es ist kein Zufall, dass der Film hierzulande kaum einen bleibenden Eindruck hinterlassen hat, außer vielleicht als Kuriosität in der Filmografie der Beteiligten.
Wir müssen uns fragen, was wir von Unterhaltung erwarten. Wollen wir echte Geschichten oder wollen wir nur die Bestätigung, dass die Gesichter unserer Jugend noch da sind? Der Film gibt uns letzteres, verweigert uns aber ersteres. Es ist ein Geschäft mit der Sehnsucht. Ein Geschäft, das funktioniert, solange wir bereit sind, unsere Zeit gegen ein bisschen vertrautes Flimmern einzutauschen. Aber der Lack ist ab. Die glänzende Fassade der großen Namen kann nicht mehr verbergen, dass dahinter kein Fundament mehr steht.
Das Kino hat sich gewandelt, und dieser Film ist das Grabmal eines Stils, der nur noch durch seinen eigenen Namen existiert. Wenn wir heute auf diese Besetzung zurückblicken, sollten wir nicht fragen, warum sie diesen Film gemacht haben, sondern warum wir geglaubt haben, dass sie es noch einmal wie früher tun könnten. Wahre Größe lässt sich nicht durch einen Vertrag erzwingen, und ein Star ohne eine Vision ist am Ende nur ein Mensch vor einer Kamera, der darauf wartet, dass der Arbeitstag endlich vorbei ist.
